Atto Primo

FREQUENZA
–  venerdì 20 marzo h. 16.30-21, sabato 21 marzo h.10-18 e domenica 22 marzo 2026 h.10-18, docente Samuel Salamone

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PROMOZIONI
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L’Associazione Teatri Possibili è certificata UNI EN ISO 9001:2015.
Questo significa che ogni nostra attività viene analizzata, con lo scopo di garantire in ogni momento la massima qualità e migliorarla in futuro.
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Alessandro Oldani è un osteopata diplomato presso il TCIO di Milano.
Si occupa della valutazione e del trattamento di disturbi muscoloscheletrici, posturali e viscerali, attraverso un approccio manuale mirato a ristabilire l’equilibrio del corpo e a favorire il benessere generale. Ha approfondito tecniche manipolative avanzate, sviluppando una particolare sensibilità nella valutazione delle disfunzioni somatiche.

Tratta pazienti di ogni età e condizione, occupandosi in particolare di:

• dolori muscoloscheletrici, come tendiniti e contratture;
• problematiche posturali, come scoliosi o adattamenti legati alla masticazione o all’appoggio plantare;
• disturbi dell’umore, come ansia o stress cronico, integrando il trattamento osteopatico come supporto al benessere psicofisico.

Attraverso tecniche di manipolazione articolare, fasciale e viscerale, Oldani lavora per migliorare la mobilità, ridurre le tensioni muscolari, stimolare la circolazione e sostenere il sistema nervoso.

Ogni percorso è studiato su misura: per questo valuta con attenzione la storia clinica, lo stile di vita e le esigenze specifiche di ciascuna persona, con un approccio globale che unisce corpo e mente e che mira a proporre interventi coerenti e realmente utili.

L’immaginario e la creazione artistica

Workshop condotto da Mamadou Dioume

Ogni artista cerca uno spazio dove riscoprire il proprio gesto, la propria voce, la propria verità; un luogo in cui l’arte diventa esperienza viva e trasformativa. È proprio in questa direzione che si muove il lavoro di Mamadou Dioume, attore e pedagogo di fama internazionale, tra i protagonisti del celebre Mahābhārata diretto da Peter Brook e interprete in The Tempest di Julie Taymor, accanto a Helen Mirren. Con oltre trent’anni di attività formativa alle spalle, Dioume ha condotto workshop e masterclass in tutta Europa, sviluppando una ricerca profonda sull’espressività scenica, sulla presenza e sul potere creativo dell’atto performativo.

Il cuore del lavoro
Il laboratorio si concentra sull’interconnessione tra corpo, voce e immaginario. Attraverso un training fisico intenso e un lavoro mirato sull’azione scenica, i partecipanti saranno guidati alla scoperta della potenza espressiva del gesto e della voce. La tecnica dello Speaking Body, al centro della proposta pedagogica, permette di esplorare il corpo come strumento narrativo e di relazione, capace di evocare mondi e suscitare emozioni autentiche.

Il percorso si propone come un’indagine sul linguaggio non verbale e sulla capacità dell’attore di generare presenza e significato a partire da ciò che è invisibile, ma profondamente reale: emozioni, ricordi, tensioni, desideri. Sarà un’occasione per potenziare le proprie risorse espressive, affinare le competenze tecniche e ritrovare una connessione profonda tra tecnica e ispirazione.

Immaginazione come pratica scenica
Uno degli obiettivi principali del seminario sarà indagare la relazione tra immaginazione e creazione artistica. L’immaginario è un territorio imprescindibile per ogni artista: è da lì che nasce il gesto scenico, è attraverso di esso che si dà forma a ciò che ancora non esiste. In questa prospettiva, il lavoro proposto da Mamadou Dioume diventa anche un’occasione di esplorazione personale, di trasformazione e di ascolto.

A chi è rivolto
Lo stage è aperto ad attori professionisti e non, danzatori, artisti circensi, performer e a tutte le persone interessate a un percorso scenico fondato sull’ascolto del corpo, sulla ricerca espressiva e sull’apertura a un incontro profondo con sé stessi.

FREQUENZA
– sabato 13 e domenica 14 dicembre 2025, h. 10-19 con pausa, docente Mamadou Dioume

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“Le mie parole saranno pugnali”

Laboratorio sull’Amleto di William Shakespeare condotto da Luciano Colavero

Alla base del lavoro dell’attore c’è l’azione.

L’azione viene prima del testo, prima dello stile, prima dell’espressione e della comunicazione. È l’origine del gesto scenico. In questo laboratorio cercheremo di comprendere a fondo che cosa significhi agire in scena — e in particolare che cosa voglia dire agire con le parole.

Agire con le parole non significa semplicemente parlare. Non basta articolare suoni o modulare la voce. Agire con le parole significa fare qualcosa: produrre un effetto concreto su chi ascolta, generare una reazione reale, costruire mondi, demolire certezze, rovesciare convinzioni. Le parole possono far innamorare o respingere, attrarre o ferire. Lo sappiamo tutti: nella vita quotidiana sperimentiamo continuamente la potenza attiva del linguaggio.

Eppure, troppo spesso, chi recita non riesce a liberare questa forza. Si limita a dire le battute, a “fare la voce”, senza accorgersi che così facendo la vita scompare dalla scena. Le parole restano vuote, prive di urgenza, scollegate dall’azione.

Nel laboratorio lavoreremo su una delle scene più intense e complesse dell’Amleto: il dialogo tra Amleto e Ofelia che precede il celebre monologo dell’”Essere o non essere” (atto III). Studieremo la porzione di testo che va dall’ingresso di Ofelia all’uscita di Amleto, escludendo quindi i monologhi dei due personaggi che incorniciano il dialogo.

Cosa è richiesto ai partecipanti
Tutti i partecipanti, indipendentemente dal genere, dovranno imparare a memoria l’intero dialogo, nella traduzione di Cesare Garboli edita da Einaudi. Una copia digitale del testo verrà fornita al momento dell’iscrizione.
È inoltre importante avere una familiarità approfondita con l’intera opera: conoscere il contesto generale e i personaggi coinvolti nella scena. Vi invitiamo quindi a leggere Amleto il maggior numero di volte possibile prima dell’inizio del laboratorio. Per la lettura integrale, la scelta della traduzione è libera, ma si consiglia la stessa edizione di riferimento: Garboli per Einaudi.

Come lavoreremo
Ogni incontro si aprirà con un risveglio fisico e un training d’ensemble. Attraversogiochi teatrali, lavoreremo sull’ascolto reciproco, la reattività, la prontezza, la capacità di prendere decisioni nel momento presente.
Affronteremo poi il testo dal punto di vista drammaturgico e attorale, scomponendolo in sezioni, individuando eventi, strutture e dinamiche interne. Analizzeremo i desideri dei personaggi e i compiti degli attori e delle attrici, attraverso un lavoro di approfondimento testuale orientato all’azione.
Sulla base di quest’analisi, metteremo in campo studi scenici, improvvisazioni e varianti del dialogo, così da esplorarne le molteplici possibilità interpretative. L’obiettivo non è arrivare a una sola versione, ma sperimentare il testo, comprenderne le sfumature, risvegliarne la potenza.

Note pratiche
È richiesto un abbigliamento comodo da training e un paio di scarpe adatte al lavoro fisico: vanno bene delle semplici sneakers con suola pulita. Non si lavora scalzi, neanche durante il riscaldamento.

FREQUENZA
– venerdì 17 ottobre h. 18-22, sabato 18 ottobre h. 10-19 (con un’ora di pausa), domenica 19 ottobre h. 10-19 (con un’ora di pausa), docente Luciano Colavero 

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Manifesto per una visione umana e necessaria dell’arte teatrale

Il Teatro è atto sociale per natura.
Non ha bisogno di aggettivi per giustificare la sua esistenza, né di etichette che ne definiscano le funzioni. È, da sempre, un atto collettivo, un rito umano, uno spazio di presenza e ascolto. È incontro, specchio, tensione, trasformazione.

Nulla come l’arte del Teatro osserva e comprende profondamente l’essere umano. Questa è dunque la nostra vocazione, il nostro mestiere, la nostra responsabilità.
Attraverso la rappresentazione dell’umano, nella sua verità e nella sua fragilità, crediamo sia possibile elevare una voce contro la decadenza morale, contro l’indifferenza, contro la rassegnazione.

Il Teatro è forma di resistenza, e resistendo educa.
Ogni attore — ma anche ogni allievo, ogni spettatore consapevole — intraprende un viaggio che non ha mai fine: un percorso di conoscenza dell’altro e di sé.
È in questo cammino che si sviluppa l’empatia necessaria per immaginare un mondo diverso: un mondo più giusto, più sensibile, più umano.

Nulla è più sociale dell’imparare a mettersi nei panni dell’altro. E nulla insegna questo meglio del Teatro.
Siamo convinti che l’arte teatrale sia uno strumento formativo, inclusivo e terapeutico. Ma soprattutto, crediamo che essa sia una necessità: di crescita, di approfondimento e di comunità.

Il Teatro è un gesto che si fa insieme. È presenza viva nel qui e ora. Non c’è replica uguale a un’altra: ogni sera è un atto irripetibile di fiducia e di verità.
E questa verità, anche quando è scomoda, ci mette davanti a uno specchio che può renderci migliori.

Fare Teatro significa accettare la sfida di rappresentare il presente e immaginare il futuro. Significa dare spazio alle differenze, valorizzare l’ascolto, condividere responsabilmente.
È un atto culturale e politico, nel senso più alto: promuove la conoscenza, stimola il senso critico, invita alla riflessione sul mondo e su ciò che siamo diventati.

Crediamo che la formazione teatrale sia uno degli strumenti più potenti che abbiamo per costruire consapevolezza individuale e collettiva.
Chiunque partecipi al processo creativo ed artistico impara a leggere la complessità, a stare nel dubbio, a cercare verità multiple.
Questa è la sostanza di cui è fatto il pensiero libero. E un pensiero libero è l’unica vera voce che valga la pena ascoltare in una società.

Per tutto questo, non può esistere “teatro sociale”, perché il Teatro è già, di per sé, sociale.
È uno dei gesti più profondi, antichi e necessari che l’essere umano abbia mai compiuto per raccontarsi, per capirsi, per aiutarsi, per vivere davvero.

Il Teatro non è un’aggiunta alla vita.
Il Teatro è la vita, quando ha il coraggio di guardarsi.

Teatri Possibili

In un contesto in continuo mutamento, segnato da cambiamenti demografici, emergenze ambientali, fragilità economiche e nuove forme di esclusione, l’associazione risponde con progetti culturali capaci di creare connessioni, promuovere il benessere e generare partecipazione. Attraverso il teatro, la formazione e la creatività, Teatri Possibili contribuisce alla costruzione di comunità più inclusive,
resilienti e consapevoli, dove la cultura è accessibile a tutti e diventa leva di sviluppo umano e sociale.

Rispondiamo alle trasformazioni demografiche
Teatri Possibili accompagna i cambiamenti della società attraverso progetti artistici e culturali capaci di rispondere alle sfide poste dall’invecchiamento della popolazione, dalla solitudine
sociale, dai cambiamenti nei nuclei familiari. L’arte e il teatro sono per noi strumenti di relazione e rigenerazione, capaci di creare comunità inclusive e intergenerazionali.

Promuoviamo la cultura come alleato del pianeta
Realizziamo percorsi creativi e performativi che accendono la consapevolezza ecologica, valorizzano la sostenibilità e raccontano il cambiamento climatico in modo coinvolgente. L’arte diventa mezzo per stimolare una nuova responsabilità collettiva e restituire centralità alla cura del territorio.

Utilizziamo il teatro per contrastare la povertà
Affrontiamo l’emarginazione attraverso laboratori e percorsi teatrali destinati a persone in difficoltà economica e sociale, offrendo spazi di espressione, ascolto, dignità. L’arte non è per noi
un lusso, ma un diritto e un’occasione per rimettersi in gioco.

Formiamo attraverso il teatro: una vera scuola di vita
Attraverso corsi, laboratori e progetti specifici, Teatri Possibili sviluppa soft skills, capacità comunicative, espressive e relazionali, valorizzando talenti spesso nascosti. Il teatro diventa
strumento di formazione per giovani e persone in condizioni di svantaggio, aprendo nuove possibilità anche in ottica lavorativa.

Sperimentiamo nuove forme di partecipazione culturale
Promuoviamo modi alternativi e accessibili di vivere l’esperienza artistica: performance partecipative, teatro diffuso nei quartieri, eventi fuori dai luoghi tradizionali della cultura. La
cultura scende in strada, entra nei luoghi fragili, si fa motore di inclusione.

Sosteniamo la ricerca per il benessere delle persone
Collaboriamo con enti, università e centri di ricerca per sviluppare progetti multidisciplinari che uniscono arte, salute mentale, neuroscienze e pedagogia. L’obiettivo è misurare e moltiplicare
l’impatto positivo del teatro sul benessere individuale e collettivo.

Costruiamo reti di welfare culturale nei territori
Teatri Possibili contribuisce alla creazione di sistemi territoriali di welfare dove la cultura ha un ruolo attivo e generativo. Il teatro è per noi uno strumento per leggere i bisogni delle comunità,
attivare reti tra cittadini, associazioni, istituzioni, e costruire risposte condivise e sostenibili.

Rigeneriamo luoghi e relazioni attraverso il teatro
Attraverso interventi teatrali nei quartieri, residenze artistiche, percorsi laboratoriali con gli abitanti, Teatri Possibili partecipa alla rigenerazione degli spazi urbani e sociali. La relazione tra
persone e territorio si rafforza attraverso la bellezza e la narrazione condivisa dei luoghi.

Sviluppiamo competenze per rafforzare il terzo settore culturale
Attiviamo percorsi di formazione, consulenza e affiancamento per operatori e realtà non profit.
L’obiettivo è rafforzare le competenze gestionali, relazionali e progettuali, e rendere più efficaci le
azioni delle organizzazioni che operano sul territorio attraverso l’arte.

“Azione e dialogo”

Laboratorio sull’analisi attiva e sull’azione nel dialogo guidato da Luciano Colavero

Il lavoro sulle azioni è una base imprescindibile per ogni attore. Agire in scena significa coinvolgere il corpo nella sua totalità, sostenendo i movimenti con un’energia precisa e immagini interiori ben definite. Questo approccio crea le fondamenta per una recitazione autentica e organica.

In una scena dialogata ben costruita, l’attore è continuamente stimolato a reagire e adattarsi al lavoro del proprio partner. Deve, da un lato, seguire i propri compiti scenici e, dall’altro, accogliere e integrare le proposte dell’altro. Trovare il giusto equilibrio tra iniziativa personale e ascolto attivo non è semplice: imporsi o cedere completamente all’altro sono entrambi errori che ostacolano la creazione.

Il nostro punto di partenza sarà il “Woyzeck” di Georg Büchner, un testo caratterizzato da dialoghi brevi e intensi, capaci di evocare molto più di ciò che dicono esplicitamente. Questi dialoghi richiedono di “allargare le maglie”, trovando significati nascosti e, a volte, dialogando persino nel silenzio. Il dialogo, però, è sempre un confronto a due, un gioco di posizioni che può trasformarsi tanto in uno scontro quanto in una danza.

Cosa faremo insieme:

• Esploreremo il lavoro d’ensemble, come punto di partenza per far emergere le relazioni tra i personaggi.
• Attraverso esercizi pre-espressivi, affineremo il nostro sentire e vedere, ancorando cuore e mente al corpo per prepararlo ad agire.
• Dedicheremo una lunga parte del laboratorio alla relazione con l’altro, concentrandoci sull’essere in dialogo e su come muovere l’energia nel lavoro a coppie.
• Lavoreremo su brevi dialoghi, imparando a leggerli e interpretarli “in piedi”, chiarendo gli strumenti fondamentali di analisi scenica.

Non è richiesta la memorizzazione dei testi: lavoreremo utilizzando parole proprie, concentrandoci sull’essenza del dialogo. Non servono particolari doti di improvvisazione, ma apertura e sensibilità saranno fondamentali.

Informazioni Pratiche:

• I testi di lavoro, inclusi i diversi frammenti del “Woyzeck”, saranno inviati via email prima del laboratorio.
• È richiesto un abbigliamento comodo per il training e scarpe comode con la suola pulita (no lavoro a piedi nudi).

Scopriremo insieme come il dialogo può trasformarsi in un flusso organico di energia e azione, costruendo un percorso di creazione condivisa.

FREQUENZA
– venerdì 16 maggio ore 18-22, sabato 17 e domenica 18 maggio ore 10-19, docente Luciano Colavero

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FREQUENZA
– 22 e 23 febbraio 2025 ore 10-19, docente Serena Sinigaglia

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La commedia dell’arte

Il laboratorio è ispirato alla lunga esperienza maturata da Giorgio Bongiovanni nello spettacolo Arlecchino servitore di due padroni di Carlo Goldoni per la regia di Giorgio Strehler. Oggetto del seminario è lo studio e la sperimentazione degli elementi tipici della Commedia dell’Arte: gli intrecci, i tipi fissi, l’improvvisazione, il canovaccio e soprattutto la maschera, elemento teatrale per eccellenza, che consente di raccontare vite e storie appartenute a ogni tempo e a ogni luogo, antichissime e modernissime insieme. Tutti elementi che permettono a questo genere teatrale di essere compreso e apprezzato in ogni parte del mondo, al di là di lingue e culture diverse, annullando sul palcoscenico distanze di secoli e continenti.
Gli studenti-attori avranno modo di lavorare sui personaggi sperimentandone in pratica ogni aspetto (dalla postura, alla voce, alle caratteristiche tipiche) e curando, nello stesso tempo, la tecnica d’uso della maschera.
Durante questo periodo i partecipanti riceveranno alcuni cenni storici relativi al fenomeno della Commedia dell’Arte, con la presentazione e l’analisi delle caratteristiche tipiche. Quindi gli studenti-attori potranno prendere confidenza con l’uso della maschera attraverso esercizi di tecnica e l’analisi dei personaggi principali. In un secondo momento si proporranno alcuni semplici temi di improvvisazione per permettere a tutti di usare la maschera e far muovere i personaggi esaminati.
Le maschere professionali in cuoio, realizzate a mano, insieme ad alcuni elementi di costume, saranno messe a disposizione degli allievi per il periodo del laboratorio.

FREQUENZA
– 19 e 20 ottobre 2024 ore 10-19, docente Giorgio Bongiovanni

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“Laboratorio sulla tecnica Meisner”

Perché credo ad un attore e non ad un altro? Come mai un’attrice mi emoziona profondamente e un’altra no?

“Recitare è l’abilità di vivere con onestà in un set dato di circostanze immaginarie”, questa è la definizione a cui arrivò Sanford Meisner attraverso l’ esperienza e la passione per la recitazione.

In questo laboratorio indagheremo che cosa significa “vivere con onestà” e come mai Meisner la ritenesse un’abilità da sviluppare in scena; alleneremo questa capacità grazie al “Repetition Exercise” (l’Esercizio della Ripetizione) quello che lui definiva “la sbarra dell’attore” paragonandolo all’allenamento fondamentale dei ballerini. Attraverso questo lavoro ci si ri-approprierà della qualità tipica dei bambini più piccoli di esprimere totalmente e senza reticenze le proprie emozioni e ciò che si vuole o non si vuole in totale rispetto dell’altro e al contempo in assoluta libertà; si smetterà finalmente di pre-occuparsi di stessi e ci si occuperà invece al cento per cento di chi è in scena con noi, sapendo che al contempo lui/lei sta avendo la stessa cura nei nostri confronti.

Riscopriremo l’ascolto profondo dell’altro in una connessione necessaria ad un’autentica interazione scenica.

Il “Repetition Exercise” è stato ideato al fine di risolvere quelli che per Sanford Meisner sono i problemi maggiori degli attori: il non ascolto e l’essere ripiegati su se stessi.

E’ un esercizio estremamente semplice e per questo anche molto difficile che allena la capacità di agire e reagire senza blocchi, inibizioni o preoccupazioni momento per momento riscoprendo l’emozione che sorge spontaneamente e senza sforzo in contatto con l’altro. E’ il primo mattoncino della tecnica che permette successivamente di vivere veramente le “circostanze immaginarie” attraverso le improvvisazioni.

Un attore mediocre finge, un buon attore si emoziona, un ottimo attore fa emozionare.

FREQUENZA
– 11, 12 e 13 aprile 2025 ore 10-17, docente Greta Zamparini 

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“Il linguaggio, il corpo e la scena”

Un’esplorazione dell’universo del movimento su scena e della comunicazione poetica attraverso il corpo.

La maschera, il mimo, il gesto… per riscoprire il senso del movimento al servizio della creatività drammatica: un gioco, preso molto sul serio.

Il seminario introduce allo studio del movimento sulla scena, in particolare al gioco silenzioso che esiste prima e dopo la parola. È quel gioco silenzioso che dà vita al teatro, che pone le basi e sostiene il personaggio, la situazione e la parola stessa. Ispirato alla visione pedagogica del grande Maestro Lecoq, l’atelier propone un approccio al teatro attraverso il movimento, le sue regole e la sua libertà.

Tratteremo:

• Le dinamiche del corpo nello spazio
• Mimo e psicologia della vita silenziosa
• Elementi di lavoro con la Maschera Neutra
• Analisi del movimento
• Introduzione al Linguaggio del Gesto – Pantomima

FREQUENZA 
21 e 22 settembre 2024 ore 10-19, docente Luca Fusi

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Palestra di pratica

Il laboratorio prende spunto dalla ricca esperienza artistica di Manfredini, esplorando le potenzialità espressive dell’attore. Si approfondiranno il corpo come strumento di ascolto ed espressione, la vocalità e la memoria emotiva, elementi chiave del training dell’attore. Verranno analizzate anche le convenzioni teatrali fondamentali e la consapevolezza del processo complessivo che porta alla messa in scena di un’opera. Lo stage contempla un riscaldamento fisico e vocale per predisporre il corpo e la mente al lavoro sulla recitazione.
Danio Manfredini stesso, indicherà e invierà a ciascuno i testi da imparare a memoria, estratti da opere teatrali classiche e contemporanee, come palestra di pratica sui diversi stili recitativi che le opere suggeriscono.

Tra i testi utilizzati nel percorso ci saranno opere di Cechov (“Il gabbiano”, “Il giardino dei ciliegi”, “Zio Vania”), Camus (“Caligola”, “Il malinteso”), Koltès (“Sallinger”, “Lotta di negro e cani”), Williams (“Un tram che si chiama desiderio”, “Lo zoo di vetro”), Genet (“Le serve”), Rucello (“Anna Cappelli”, “Le cinque rose di Jennifer”), Albee (“La capra o chi è Sylvia?”, “Chi ha paura di Virginia Woolf?”) e Shakespeare (“Macbeth”, “Amleto”).

Sono richiesti invio di C.V. per selezione e almeno 2 anni di recitazione continuativa. 

FREQUENZA
– 13, 14 e 15 dicembre 2024 ore 10-19, docente Danio Manfredini

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“Cambiare l’aria”

L’analisi attiva e il lavoro con le azioni sui monologhi del Woyzeck di Büchner

In un monologo ben scritto un’attrice e un attore possono trovare una gran quantità di materiali da mettere in azione sulla scena. Una folla di immagini, idee, racconti, emozioni si scontrano nello spazio di poche righe, a volte di poche parole.

Quando è ben recitato, un monologo è in grado di trasformare lo spazio e il tempo, di far vedere persone e oggetti mai esistiti e di far scomparire qualcosa che invece è proprio lì, in scena, sotto gli occhi di tutti. E tutto questo senza altri mezzi che il corpo e la voce. Un corpo e una voce allenati ad agire, un corpo e una voce che non cercano di imitare un momento di vita quotidiana, né si occupano di illustrare le parole di un testo, ma che partono da quelle parole per creare una nuova realtà, che nasce e vive sul palcoscenico.

Il Woyzeck di Georg Büchner sarà il nostro testo di riferimento. I suoi monologhi hanno una particolarità, sono quasi tutti fatti in pubblico. Permettono quindi di far lavorare sempre tutto il gruppo, anche quando il protagonista è uno soltanto. Sono discorsi pubblici, che letteralmente cambiano l’aria, trasformando chi fa e chi li ascolta, e per questo è interessante studiarli, perché aiutano a capire che cosa vuol dire agire, non solo con il corpo, ma anche con la voce.

Prima del laboratorio è richiesto ai partecipanti di memorizzare uno dei monologhi che saranno indicati all’atto dell’iscrizione. Non avrà importanza il genere, si potrà indifferentemente scegliere un monologo maschile o femminile. È richiesto abbigliamento da training e scarpe (bastano delle normali sneakers con la suola pulita, non si lavora scalzi neppure nel training).

Il seminario non è rivolto a principianti.

FREQUENZA
– 16 e 17 novembre 2024 ore 10-19, docente Luciano Colavero

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Insegna ad altri le tue passioni…

“Oggi ti insegno a…” è il progetto di Teatri Possibili che mette al centro le passioni dei soci.
Un’occasione per condividere ciò che ami fare e diventare insegnante per un giorno, attraverso lezioni gratuite aperte alla community.
Che si tratti di arte, sport, benessere, lingue o creatività, ogni talento può trasformarsi in un’esperienza di scambio e crescita.
Se vuoi proporre il tuo corso o la tua lezione, scrivici e costruiremo insieme il tuo progetto. 
Perché condividere ciò che sai è il modo più bello di far nascere nuove passioni.

Contatti: associazione@teatripossibili.it | 3288580954

Venerdì 8 maggio ore 19:30 – Lettura immaginale della fiaba ”Le tre piume”

FREQUENZA
– 27 e 28 aprile h. 10-19, docente Alberto Giusta

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Comunicazione efficace base e avanzato

In partenza 

2° LABORATORIO – AVANZATO 

Come le emozioni gestiscono la realtà 

Avete mai visto la serie “Lie to me”?
Quella in cui il geniale interprete protagonista Tim Roth, nei panni di Cal Lightman, uno psicologo esperto della comunicazione non verbale, infallibile nel capire quando una persona non dice la verità, mette questa sua conoscenza al servizio della giustizia e dell’FBI.
Di fortissimo impatto, quando, attraverso l’analisi delle microespressioni, si evidenzia la verità, la menzogna, il disgusto, la rabbia, l’amore e ogni emozione umana…
Ecco, questo sarà in parte il tema del secondo laboratorio, a cui si potrà accedere solo se è stato già frequentato un primo livello di corso di Comunicazione efficace o il primo laboratorio con Sonia Camerlo, e vedrà un interessantissimo studio sulle emozioni, la gestione di queste e il riconoscimento delle emozioni stesse nel linguaggio non verbale degli altri, con focus sulle microespressioni facciali, studiate e sviluppate da Paul Ekman.

Il tema del laboratorio è: COME LE EMOZIONI GESTISCONO LA REALTÀ

“Mi piace chi sceglie con cura le parole da non dire”
Alda Merini

In questa fase, verranno trattati i seguenti argomenti:
PROSSEMICA-CINESICA CRONEMICA-SOMATICA CLASSE DEGLI ATTI NON VERBALI CENNI SU AMIGDALA E ALESSITIMIA I SEGNALI NON VERBALI CENNI DI PNL
ESERCIZI

FREQUENZA 
– sabato 24 e domenica 25 febbraio 2024 h. 10-18.30, docente Sonia Olga Camerlo

Già svolto

1° LABORATORIO – BASE
Le parole cosa dicono?

Il primo laboratorio sarà finalizzato ad acquisire coscienza di sé e capacità di utilizzare in modo efficace una corretta espressione del linguaggio verbale, para-verbale e non-verbale, con particolare attenzione al tema: LE PAROLE COSA DICONO?
Perché “Tutto quello che si può dire, si può dire chiaramente”, Ludwig Wittgenstein

FREQUENZA
– sabato 2 e domenica 3 dicembre h. 10-18.30, docente Sonia Olga Camerlo

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“Carne cruda”

Massimiliano Cividati è un regista tra i più apprezzati in Italia e che collabora con le maggiori compagnie e teatri portando la sua voce ed identità con grande successo. Collabora, come formatore in masterclass importanti, con tutte le Accademie d’Arte drammatica d’Italia e internazionali.

“Carne cruda” è il titolo del seminario e “L’azione” sarà il tema del seminario e il senso di pratica teatrale degli attori. L’ interessantissima tecnica della biomeccanica a servizio dell’attore e della scrittura della scena. La Biomeccanica Teatrale è un sistema d’educazione dell’attore messo a punto da Vsevolod E. Mejerchol′d.

COS’E’ LA BIOMECCANICA TEATRALE?
La biomeccanica permette all’attore di liberarsi dei movimenti di routine e abitudinari del corpo e di denudare il proprio viso, che deve presentarsi “nudo”, appunto, per poter essere rivestito dalla maschera del personaggio. L’attore infatti deve presentarsi con posizione neutrale di fronte al personaggio, l’unica che gli permette di avere la possibilità di rappresentarlo. La partitura del personaggio deve essere creata e fissata e solo in seguito arricchita con le improvvisazioni della recitazione. La biomeccanica dà la possibilità all’attore di definirsi ed ambientarsi nello spazio e nel tempo, lo aiuta a diventare parte dello spettacolo e del suo ritmo, permette di acquistare una libertà espressiva, cioè di acquisire la capacità di improvvisare all’interno del tema preposto.
Questi saranno gli elementi chiave dello studio:
– Realtà
– Pensiero-Movimento-Emozione-Parola
– Reattività. Intenzioni, realizzazione e reazione.
L’attore deve avere la capacità di sollecitare i riflessi, deve cioè ridurre al minimo il processo cosciente di realizzazione del compito (tempo della reazione semplice.)

FREQUENZA
– 20 e 21 gennaio 2024, h. 10-19, docente Massimiliano Cividati 

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L’Associazione Teatri Possibili è certificata UNI EN ISO 9001:2015.
Questo significa che ogni nostra attività viene analizzata, con lo scopo di garantire in ogni momento la massima qualità e migliorarla in futuro.
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“Il metodo Chubbuk”

La creazione di una scena coinvolgente e autentica richiede più di un semplice espressione emotiva: è necessario saper usare quelle emozioni all’interno di una scena data. Il seminario si basa sui 12 passaggi del rinomato metodo Chubbuck, e si rivolge a quanti, attori ed allievi attori sono pronti a mettersi in gioco emotivamente e desiderano apprendere come analizzare in profondità un testo e creare un personaggio assolutamente credibile.

Il personaggio che creeremo prenderà vita grazie alla nostra esperienza personale, alle nostre emozioni e alla nostra verità. Durante il seminario, gli allievi saranno guidati attraverso una serie di esercizi, tra cui il riscaldamento corporeo, l’attivazione emotiva e immaginativa con e senza musica, l’analisi del testo e la comprensione dei 12 passaggi del metodo Chubbuck.

In particolare, affronteremo obiettivi complessivi e di scena, ostacoli, battute e azioni, oggetti interiori, sostituzione, antefatto, luogo e quarta parete, attività di scena, monologo interiore, circostanze precedenti e il lasciarsi andare. Nella seconda parte del seminario, ci concentreremo sulle nostre performance e riceveremo una valutazione dettagliata del lavoro.

Siamo convinti che questo seminario ti darà gli strumenti necessari per creare personaggi credibili e coinvolgenti, che rendano le tue performance autentiche ed emozionanti. Ti aspettiamo!

Che cos’è il Metodo Chubbuck?

Il metodo Chubbuck è un approccio all’interpretazione teatrale e cinematografica sviluppato dall’attrice e insegnante statunitense Ivana Chubbuck. Il metodo si basa sulla premessa che l’abilità di un attore di creare personaggi credibili e coinvolgenti dipenda dalla sua capacità di accedere alla propria verità emotiva e di utilizzarla per creare personaggi autentici. Il metodo si concentra sulla definizione degli obiettivi del personaggio e delle circostanze precedenti che lo hanno portato alla situazione in cui si trova nella scena, al fine di aiutare l’attore a creare un personaggio tridimensionale e credibile. Inoltre, il metodo incoraggia gli attori ad utilizzare la propria esperienza personale per informare l’interpretazione del personaggio e ad esplorare l’immaginazione emotiva per sviluppare la complessità del personaggio.

Il metodo Chubbuck è stato utilizzato con successo da molti attori e registi di Hollywood, ed è stato descritto come uno dei metodi di interpretazione più efficaci e innovativi al giorno d’oggi.

FREQUENZA
– 10, 11, 17 e 18 febbraio 2024 h 10-18, docente Elisabetta Coraini 

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